Введение. Проблема «женского вопроса в искусстве» является актуальной сегодня. «Гендерное искусство» или «женское искусство» - один из трендов современных арт-выставок. Благодаря арт-феминизму на сегодняшний день женщины-художники в полной мере могут проявить свой талант, что вызывает большой интерес к их творчеству со стороны мирового художественного сообщества.
Цель: выявить специфические стилистические черты, характерные для «женской субъективности» и феминистских практик в искусстве второй половины ХХ века.
Методы: использовались историографический метод и структурный метод, лежащие в основе современного искусствоведения. Также мы используем герменевтический метод, поскольку выявляем скрытые смыслы работ женщин-художников. Научная новизна заключается в том, что мы выявляем и описываем специфические новые стилистические черты, характерны для творчества женщин-художников второй половины ХХ века, которые не описывались ранее.
Результаты. Нами был проведен философско- культурологический сбор и анализ фактов из жизни женщин-художников: Берты Моризо, Ханны Хёх, Фриды Кало, Элис Нил, Луизы Буржуа, Сары Лукас, были выявлены общие черты, характерные для их творчества. Также нами проведен философско-культурологический анализ арт-феминизма как феномена современного искусства.
Выводы. Среди стилистических черт, объединяющих творчество женщин-художников второй половины ХХ века нами выделены следующие: обращение к чисто женским рукодельным техникам («искусство волокна»); предмет искусства - внутренний мир чувств и переживаний самой художницы, искусство часто рассматривается как своеобразная арт-терапия, способ пережить перенесенные травмы; у женщины-художника больше эмпатии к модели, к ее ментальному состоянию, чем у мужчин- художников; для женщин-художников характерно переосмысление отношения к телу, изображение тела неэстетизированным, ненормативным, неприукрашенным, ирония по отношению к телу; для женщинхудожников искусство часто становится способом борьбы за свои права, гендерное и расовое равенство.
Статья посвящена анализу влияния исторического контекста развития теории цвета на методику преподавания цветоведения в высшей школе. Актуальность темы обусловлена необходимостью совершенствования педагогических подходов с учетом фундаментальных основ цветовой теории и современных тенденций в визуальной культуре. Цель исследования - выявить ключевые аспекты эволюции представлений о цвете и определить их роль в формировании образовательных стратегий. В работе применены методы исторического, сравнительного и статистического анализа, а также анкетирование студентов и преподавателей (n = 154). Установлено, что исторически обусловленная многогранность теории цвета (физическая, физиологическая, психологическая, культурологическая трактовки) должна находить системное отражение в учебных программах (r = 0,78; p < 0,01). При этом акцент следует делать на интегративном подходе, объединяющем традиционные и инновационные модели цветовосприятия (61% респондентов). Результаты исследования имеют значение для оптимизации преподавания цветоведения и повышения профессиональных компетенций учащихся творческих специальностей. Перспективы дальнейшей работы связаны с детализацией методических рекомендаций и их экспериментальной апробацией.
В конце XIX в. во Франции появляется большое количество критических и теоретических текстов по искусству, в основу которых была положена паранаучная теория месмеризм: так, в журнале «Новая иконография Сальпетриер», посвящённом репрезентациям патологий в искусстве, медики написали цикл искусствоведческих статей, посвященных гравюрам с месмерическим сеансом. В теоретической работе об истерии Поль Рише и Анри Меж сформулировали идею проформ, которая предвосхитила «формулу пафоса» Аби Варбурга. Медики считали, что определенные визуальные образы мигрируют в истории искусства и становятся «эмфатическими». В результате этих публикаций визуализация патологий проникла и закрепилась в искусстве второй половины XIX в. Симптом превратился в знак, который нужно прочитать, тем самым, визуальность становилась главной в интерпретации, что позволило вывести жесты и позы из поля изобразительного искусства в пространственное: эмфатические жесты сформировали протоперформативные практики, разыгрывавшиеся в театре, кабаре и кафе-концертах. Выбранная тема открывает перспективы для анализа и пересмотра ряда тем и образов в искусстве и культуре: трикстера гипнотизера или фокусника и гипнотических сеансов.
Данная работа содержит попытку осмысления источников, эволюции и итогов феномена личностной искренности в советском исполнительском искусстве 1960-1980-х. Речь идет о трех взаимодополняющих треках (стиль, вид и способ восприятия) развития советской художественной культуры, которые определяли выход на первый план разных исполнительских искусств. Специальное внимание уделено авторской песне, театру, кинематографу, российскому року. Материал такого осмысления составляет в основном личный опыт автора, включая наблюдения, личное участие в описываемых событиях. Методологическая основа работы - прагмасемантический подход, согласно которому смыслообразование определяется контекстами социально-культурных практик, а личностная субъектность выступает универсальным интерфейсом такого смыслообразования, его динамики, смены и взаимодействия контекстов, включая культуральные и политические. При этом сама субъектность формируется в конкретном историко-культурном контексте, включая искусство, художественную культуру. Это одновременно способствует позиционированию субъектности в социуме, ее самореализации и самоорганизации.